Concluimos nuestro repaso al 2025 cinematográfico con la segunda tanda de los títulos más destacables. Si ya había muestra de nombres clásicos en la anterior entrada, la que nos ocupa desglosa otros no menos sonados para el aficionado (caso de Paul Thomas Anderson, Ari Aster o Joachim Trier), aunque sin perder de vista a algunos quizás no tan conocidos, pero igualmente valiosos: es el caso de Kelly Reichardt y Hélène Cattet y Bruno Forzani, representantes de la mejor escena indie norteamericana y del cine de vanguardia más transgresor hecho en Europa, respectivamente. Por último, urge destacar el notable año del cine español. Podrían haber sido varias películas más las que aparecieran en este top – Romería, Maspalomas, Sirat, Aro Berria…–, pero, finalmente, han sido tres, copando dos de ellas este Top-7… incluida la ganadora del título honorífico-inventado a «Mejor Película del Año para Doble Kulto Cinema». Pasen y lean. Y, sobre todo, vean.

7. Sorda (Eva Libertad)

Eva Libertad debuta con Sorda, adaptación en formato largo de su cortometraje homónimo del 2021. Para el que escribe estas letras, se trata de uno de los títulos más sobrecogedores del año, tocante a un tema apenas explorado en la cinematografía –al menos desde un punto de vista realista– y que logra exponer toda la problemática (afectiva, maternal, laboral, social…) derivada de una enfermedad como la hipoacusia. Mirando esta película, uno toma conciencia de lo poco preparados que estamos los oyentes cuando nos enfrentamos a una persona sorda; por eso es tan necesaria su visibilización en una sociedad cada vez más individualista y egoísta. Pero si aparece aquí no es solo por su valor educativo, sino porque Eva Libertad logra construir una ficción que se alimenta de sí misma para sublimarse a partir de gestos y miradas humanas que valen tanto como esas palabras que a veces cuesta pronunciar, aunque pueda hacerse. Todo ello auspiciado por una interpretación sencillamente portentosa a cargo de Miriam Garlo, que padece pérdida auditiva desde los 7 años.

6. Valor sentimental (Joachim Trier)

La nueva obra del danés Joachim Trier viene a confirmarle, por si a alguien le quedaba alguna duda, como una de las puntas de lanza del cine de autor europeo. En Valor sentimental recoge el bisturí y abre en canal las relaciones entre un padre, ausente tras el fallecimiento de su mujer, y sus dos hijas, ejecutando la operación con la delicadeza propia de un cirujano reparador, pero que deja una imborrable huella sobre su paciente. De la mano de un magistral Stellan Skarsgård, en perfecta sintonía con Renate Reinsve –que vuelve a colaborar con el director tras protagonizar su cinta anterior, La peor persona del mundo (2021)–, la cámara sabe tomar la distancia precisa en el plano para sacar a relucir, de manera progresiva, la auténtica naturaleza del creador de imágenes a quien representa aquel, y de qué manera su pretendida ficción tapona la terrible verdad que ha terminado por transformar a su familia. Además, cuenta con uno de los más ingeniosos empleos del espacio físico, como agente demoledor de los sentimientos arraigados (o no tanto) en sus personajes. No se la pierdan.

5. The Mastermind (Kelly Reichardt)

Con apenas 15 copias en todo el territorio nacional, en noviembre llegaba a salas españolas The Mastermind, dirigida por Kelly Reichardt. La cineasta de Miami es una voz muy poderosa dentro del panorama indie norteamericano, pero apenas es conocida en nuestro país, cuestión que puede paliar este título gracias a su conquistar de la Espiga de Oro del decano festival vallisoletano Seminci (ex aequo con Magallanes). Cine de atracos ambientado en 1970 que subvierte varios de los cánones del género, dado que la acción se opone a la espectacularidad y el protagonismo recae en un auténtico paria obligado a escapar después de robar unos cuadros sin ton ni son, a quien interpreta magistralmente Josh O’Connor. Elegancia y adulteración inteligente de la norma, todo en uno. Leer más en nuestra crítica.

4. Una batalla tras otra (Paul Thomas Anderson)

Paul Thomas Anderson adapta de nuevo, en su décimo largometraje, al escurridizo autor norteamericano Thomas Pynchon, sin duda uno de sus referentes (no solo morales). Después de hacer lo propio en Puro vicio (2014), ahora le ha tocado el turno a Vineland (1990), donde se sigue a un grupo de revolucionarios dispuesto a emprender la acción violenta contra un estado fascista opresor. Una de sus pocas cintas ambientadas (supuestamente) en la época actual, Una batalla tras otra supone otro ejercicio de caos cinematográfico controlado por parte del cineasta californiano; una película-río, en remedo del libro original, donde el final no importa tanto como el dudoso camino emprendido por sus personajes y el gozo que nos supone transitarlo junto a ellos. Leer más en nuestra crítica.

3. Reflection in a Dead Diamond (Hélène Cattet y Bruno Forzani)

El cine de Cattet y Forzani abraza la experimentación y reniega, con una fe inquebrantable, del convencionalismo sobre la gran pantalla. Sus imágenes se apegan y obsesionan con la textura de los objetos, que la cámara retrata como si de piedras preciosas se tratara; filma los cuerpos con la sensualidad de un vals del exterminio, sin miedo alguno a ultrajar su belleza; y sonoriza las secuencias con la voluptuosidad propia de un artesano de otro tiempo (maniático de Morricone). La fuente capital de su delicado ejercicio de orfebrería fílmica nace, se reproduce y muere en el montaje, en ningún caso en su acepción técnica tradicional, sino como otro instrumento maleable más. Y ver todo ello fusionado en 16mm, y a posteriori tratado y desplegado en granuloso digital, se cuenta como una de las experiencias cinematográficas más excelsas, y distintivas, del 2025. No es exagerado decir que, en la actualidad, nadie hace cine de la cualidad de la pareja afincada en Bélgica, y Reflection in a Dead Diamond es solo otra muestra más, de nuevo alimentada con fruición a partir del vasto cine de género producido en Europa entre los años sesenta y setenta.

2. Eddington (Ari Aster)

Ari Aster continúa, en su cuarta película, el camino que emprendiese en Beau tiene miedo (2023), incidiendo en la paranoia que afecta a la sociedad moderna a través del retrato de personajes inestables y fácilmente manipulables… o manipuladores. Eso no quiere decir que abandone el terror, porque nada hay más terrorífico que constatar la fractura que padece la sociedad actual –aunque el marco es su país tras la irrupción del COVID, el disparo apunta en todas las direcciones del globo de internet–, donde la vía para comunicarse e informarse hoy, de manera primordial a través de redes sociales, puede generar monstruos políticos cuyo impacto destructor aún está por medirse del todo, y cuya extinción se antoja muy difícil. Leer más en nuestra crítica (escrita con antelación a que el monstruo mayor del reino se destapase contra otro país).

1. Los domingos (Alauda Ruiz de Azúa)

Puede que haya quien se sorprenda de ver este título aquí, sobre todo después del despliegue de virguerías técnico-políticas comentadas con anterioridad. Pero, a veces, lo mejor se haya en la sencillez, o, mejor dicho, en la apariencia de la misma; en ser capaz de narrar la complejidad de los vaivenes vitales que nos derriban y levantan sin que apenas nos percatemos de ello (como bien hacía el maestro Ozu). La realizadora de Baracaldo Alauda Ruiz de Azúa ya había dado sobradas muestras de talento y finura en su obra anterior: baste observar su debut, Cinco lobitos (2022), para ver de qué manera era capaz de poner al desnudo la cuesta arriba que supone la maternidad. De nuevo bajo un protagonismo femenino, en Los domingos pone el foco en una joven que siente la llamada de Dios en nuestro tiempo, y cómo ello choca frontalmente con las (no) creencias y asunciones de su familia, sobre todo las de su tía, ante un padre ausente tras el fallecimiento de la madre.

El principal valor de Los domingos radica en su exquisita delicadeza; en general, un bien exiguo en el arte de estos días. Ante un tema elevado y que atañe a las convicciones personales de cada individuo, el texto no se posiciona y respeta cada sensibilidad, observando desde una distancia prudencial a sus personajes, que avanzan hacia su destino como si de animales heridos se tratara. Pero no hay batallas que librar aquí, tampoco de signo ideológico (aunque siempre habrá espectadores que quieran llevarlo, como todo, a su terreno), sino un apego hacia formas de luz e iluminación personal donde, por supuesto, también tiene cabida la manipulación. De un lado y del otro, cada uno declamando su propio argumentario. El problema es que el sujeto del embrollo no es pasivo, sino que está inundado de vida.

Ainara, llevada de la mano por una Blanca Soroa que, en su primera actuación, se tatúa sobre su piel la palabra autenticidad, emprende un camino difícil de comprender para el común de la sociedad, pero Ruiz de Azúa sabe escucharla y acompañarla a través de estudiadas composiciones que hablan de su verdad –amén de otros conflictos– y dialogan, a través de un poderoso cuestionamiento de la fe (y su lazo familiar), con expertos que hicieran lo propio en el pasado, caso de Carl Theodor Dreyer. Es una cinta donde (casi) todo queda a discreción del espectador, obligado a replantearse su postura e impelido constantemente con preguntas de difícil respuesta. Yo lanzo, para terminar, la última: ¿debe considerarse antes nuestra propia convicción en la vida, aun frágil en la experiencia, o la de aquellos de quienes nos hemos rodeado para su conformación?