De nuevo otro jueves cortópata, pero el 10 de abril ha sido el más especial de cuantos hemos vivido en el festival. Llegó el gran día, el momento que más expectación despertaba entre los habituales asistentes a Cortópolis: la gran gala final había llegado; por fin iban a conocerse los nombres de los mejores cortometrajes que habíamos podido ver durante todo un año de proyecciones, de buen y breve cine. 

Una ocasión que merecía festejarse por todo lo alto, y así fue, ya que el ambiente que se respiraba en el interior del ala derecha del Kinépolis madrileño (cerrada exprofeso para este evento especial) destilaba precisamente eso: fiesta y movimiento, sonrisas y expectación en torno a una sala 6 que esperaba un nuevo llenazo. Lo cierto es que, finalmente, el aforo no fue completo. Y eso a pesar del tremendo esfuerzo de una organización volcada durante los días previos en intentar cerrar un acto final digno y competente, que estuviese a la altura de su ya asumido notable nivel de selección de trabajos a concurso. Sea como fuere, imagino que a las dificultades inherentes para lograr reunir horas de donde no las hay y así imaginar una gala lo más perfecta posible aun sabedores de su manifiesta imposibilidad, el empeño de la gente del staff debe complicarse aún más si restamos el inevitable componente monetario. No por triste resulta menos cierto que sin apenas dinero ni el suficiente tiempo (trasladado aquí en la necesidad de horas de ensayo), un evento de esta índole no puede esperarse completamente redondo. 

Pero es precisamente por esto, por la esperada imperfección, en la persecución del instante que desvele la cualidad natural y su aspecto rabiosamente personal, por lo que tanto llegamos a interesarnos y apreciar las pequeñas grandes cosas. Esta particular idisioncrasia se hizo visible desde la misma presentadora del evento, Gloria Rodríguez (improvisada como ella misma nos transmitió al inicio, pero haciendo del desparpajo su arma más contundentemente expresiva), hasta la misma entrega de los galardones (un premio que se confunde por aquí, un sobre que no existe por allá…), pasando por el propio grupo musical Minino Bravo -que supo amenizar la velada con breves y conocidos pasajes, aun lejos del virtuosismo igualmente imbuidos de la pasión conjunta-, o sencillamente mirando al frente para presenciar esa baja iluminación artesanal. Todo ello reparado por la emoción de los siete momentos en los que se entregaron los 21 premios totales, repartidos en lotes de 3. Y convenientemente aderezados en sus interludios por una serie de performances protagonizadas por actores ataviados con los motivos del cortometraje que se hubiera exhibido con anterioridad, dentro del total de los cinco magníficos finalistas al premio NENE al mejor cortometraje. Destacar, de entre estos episodios, aquél que siguió al trabajo Voice Over. 

Pero si tuviera que conservar un momento de entre tantos y tan buenos instantes que nos deparó la gala, sin duda ése sería el del homenaje a Iván Sáinz-Pardo. Unos minutos en los que el festival quiso rendir un merecido tributo a un nombre que, lo cierto, aún está por explotarse. Y es que, en efecto y tal y como se encargaron de recalcar las sentidas palabras que acompañaban al vídeo con imágenes de sus films y declaraciones suyas, Iván es lo más parecido a un poeta de la imagen. Poco más que añadir ante un artista capaz de parir un trabajo como El laberinto de Simone, auténtica obra maestra no ya del formato corto, sino, por supuesto, del CINE. Urge que un director con su manifiesta capacidad y dominio del medio dé el salto definitivo al largometraje; urge que un productor valiente dé cobijo a un joven como él, acreditado con las ganas y su probado talento para expresarse en imágenes. 

Tres horas dan para mucho -y eso a pesar del acierto de la organización en pedir agradecimientos en modo tweet durante la gala, condición que se cumplió a rajatabla y que hizo fluir la velada sin que ésta se hiciera pesada, más al contrario; una victoria sin paliativos en este sentido-, se podrían desgranar detalles, anécdotas y curiosidades casi sin fin, pero no es ése el objeto de esta crónica, que solamente trataba de dar una visión general de una emocionante noche para recordar. Porque lo que en verdad deja poso en el asistente, y por tanto vale la pena recalcarse, es el hecho de que Cortópolis se cuenta entre lo más grande que le ha pasado al cortometraje en este país, y dudo que pueda superarse con facilidad. Raúl Cerezo y todo su equipo merecen un monumento por su inusitada pasión, visible conocimiento de causa y altruista labor, en su enconada e infatigable batalla por ensalzar el formato corto al lugar que se merece, que no es otro tan simple y a la vez tan complicado, como el de reconocerse, al menos, de la misma estatura que su hermano mayor, “el largo”, sin que la cualidad longitudinal del nombre suponga una diferencia a la hora de su valoración. 

Para terminar este espacio, una lista con los premiados en todas las categorías (culminadas por ese mejor corto para Misterio, que reúne mayor mérito teniendo en cuenta que tan sólo contaba con esta nominación; si bien los excelentes trabajos Efímera y Curfew acapararon un total de tres premios cada uno, dato nada desdeñable) y una recopilación de las reseñas de cada una de las cinco películas finalistas a mejor cortometraje, que he ido publicando en este blog dentro de las crónicas de las pertinentes sesiones donde se exhibieron originalmente: 

– Nene Behind the movies al Mejor Cortometraje: Misterio, de Chema García Ibarra
– Nene 39 Escalones a la mejor dirección de producción: Voice Over 
– Nene Harmonica Rental/Camara Rental a la mejor Dirección de Fotografía: Curfew
– Nene 39 Escalones al mejor cortometraje Documental: A Story for the Modlins 
– Nene Acción al mejor cortometraje Experimental: Fuga 
– Nene al mejor cortometraje de Animación: The Backwater Gospel 
– Nene Promofest al mejor Guión: Democracia
– Nene Promofest a la mejor Dirección: Curfew
– Nene Actor: Luis Callejo, por Lucas
– Nene Actriz- Fátima Ptacek, por Curfew
– Nene YAQ Distribución a la mejor Música: Fuga
– Nene Suave y Peludo al mejor Sonido: Record/Play
– Nene Cinetel a los mejores Efectos Especiales/ FX Directos: Voice Over
– Nene a la mejor Postproducción/ FX Digitales: Efímera 
– Nene a la mejor Dirección Artística: Efímera 
– Nene al mejor Vestuario: Death of a Shadow 
– Nene al mejor Maquillaje (FX) y Peluquería: Horizonte
– Nene BBO Subtitulado al mejor Montaje: Record/Play
– Nene a la mejor Videopresentación: Democracia, de Alberto González Vázquez  
– Nene del Público 39 Escalones: Efímera, de Diego Modino
– Nene Homenaje: Iván Sáinz-Pardo

 

Misterio (Chema García Ibarra). Misterio ha sido justamente premiado entre otros tantos y tan buenos competidores para el que esto suscribe. Chema García Ibarra ya deslumbró al mundo con una marcianada como El ataque de los robots de Nebulosa 5. Ahora retoma la ciencia-ficción, pero desde el punto de vista más mundano posible. Una mujer común, que una buena mañana limpia debajo de la cama, se levanta y deja uniformada y bien visible la bandera nazi que preside la habitación de su hijo… que viste con tirantes y parece no albergar demasiadas luces. Y un esposo enfermo al que debe ayudar y que parece a punto de fallecer en cualquier momento. Un trabajo común como el de tejedora industrial con la compañía del resto de señoras del pueblo, pero con la incorporación de una música electrónica monótona y a todo volumen con el fin de la automatización y el extra de producción laboral. Un descubrimiento: el de la iluminación del hijo de una de estas compañeras, a través de cuya nuca parece expresarse la mismísima virgen. Y por último, un secreto: el que ella recibe y que causará su cambio de rumbo vital. En resumen, los parajes habituales del costumbrismo centro-ibérico, pero volteados por las ocurrentes y siempre geniales ideas del realizador, que hace prorrumpir lo extraño en mitad de lo corriente, desprendiendo con ello la chispa de la hilaridad. Siempre a raíz de una planificación estudiada hasta el más mínimo detalle, que basa su puesta en escena en un estatismo de la imagen que le permite, no obstante, destacar la importancia de todos y cada uno de los elementos presentes en el plano, tanto los móviles como los inmóviles. Máxima narrativa reducida a la mínima esencia; la constatación de la capacidad cinematográfica de un director llamado a hacer grandes cosas en el cine español. En efecto, un absoluto misterio.

 

Record/Play (Jesse Atlas). Record/Play es un doloroso disparo a nuestro sentido de la comunicación que rasga la carne sin un remedio sustitutivo más allá del del posible milagro (que aquí acontece). Ciencia-ficción improvisada e inapelable, aderezada con un elocuente punteado de horror visceral, que juega con el sentido de la percepción sensorial para llevar a cabo su plan de alterar la dimensión vivida, de modificar la experiencia, de variar el caótico devenir, en fin. Apenas un puñado de actores que sirven para encarnar el gesto curioso, el giro inesperado, el revés definitivo al azar que ha dejado de ser tal. Todo servido en un número reducido de secuencias que avanzan el motor de la magia a la vez que sirven de martirio a un espectador que necesitará participar de ese juego a la salida de la proyección. Porque ¿quién no deseó alguna vez sacrificarse por el prójimo, en un gesto de infinito amor, espontánea locura y temerario descubrimiento? Lo disfrutaremos en largo, puesto que Hollywood ha fijado su mirada en él, y no es de extrañar.

 

Death of a shadow (Tom Van Avermaet). Cortometraje nominados al Oscar en 2013, Death of a shadow, superproducción belga diriga por Tom Van Avermaet, es una mezcla de CINE de terror y ciencia-ficción de altos vuelos. Confluyen la vida, la muerte y el amor. Temas universales que aquí interactúan de manera extremadamente original, superponiéndose unos a otros en una narración de exquisito ritmo, donde cada secuencia tiene la misma importancia que la anterior, conformándose así un conjunto de engranaje prácticamente perfecto. Filmado con una fotografía que combina la palidez, el tono sepia, el claroscuro y el efecto de apertura a imagen natural según requiera cada situación, el aspecto visual de este cortometraje hace pensar en la consecución de una película corta absoluta, en el más riguroso y justo sentido de tal definición. Además, conceptualmente, se atreve a jugar con una serie de ideas atrevidas de impensable puesta en escena pero cuya resolución resulta impecable: véase aquellas donde el fotógrafo protagonista atrapa el instante de la muerte a través de la captación de las sombras vivas de los respectivos difuntos; o bien ese otro en el que ese siniestro personaje que se las “compra” adquiere placer mediante la reproducción puntual de su visualización, pinchándolas contra la pared, en un mural que conforma toda una tétrica secuenciación de la mortandad. 20 minutos de auténtica delicia cinematográfica. Una gema a revisionar.

 

Voice Over (Martín Rosete). Dirigida por Martín Rosete y escrita por Luiso Berdejo (For(r)est in the des(s)ert, La guerra), nos sitúamos frente a una obra maestra en corto. El cortometraje honrando a su nomenclatura: una película breve, pensada y realizada exprofeso para tal duración, sabedora de sus limitaciones y aprovechándolas al máximo, para sacar partido a la historia. Aquí, ésta se desarrolla en tres episodios diferentes, aunados por la similitud de plantear a un personaje en una situación extrema de supervivencia, que se narra a través de una voz en off y por alguien que en principio desconocemos. Un astronauta en el desértico paraje de un planeta extraño; un soldado a punto de morir pero que debe culminar su misión; y un pescador que se ve atrapado en la inmensidad del fondo acuático, con el castigo de la luz de la superficie a tan solo unos metros arriba… Berdejo, en un intertexto sufriente, sencillo y directo pero igualmente conspicuo, y Rosete, a través de las sencillamente espectaculares imágenes que es capaz de componer con su cámara en los diferentes ambientes retratados, nos plantean el eterno juego de la figuración, y hacen uso del medio cinematográfico en toda su expansión para entrelazar imágenes y sonido, signo y palabra, con el fin de proclamar el sentido de un gesto mayúsculo que no es sino la reverberación de otro mayor. Nunca el amor se parió a raíz de tanta revuelta imaginaria y ostentación visual, pero para los creadores de Voice Over parece que la valentía de su enarbolamiento sí puede llegar a merecer semejante despliegue. Bendito sea, para deleite de nuestros sentidos. Un jubiloso empape de sensaciones delante de la pantalla.

 

Curfew (Shawn Christensen). Y llegó el final. Muy seguramente programado adrede en último lugar como hueco estelar reservado, por la simpatía que despierta entre el público. Curfew (Oscar al mejor cortometraje en 2013) es la pieza maestra que Shawn Christensen entrega al respetable como quien baila desinhibido una canción pop en medio de una discoteca. O de una bolera, como en el momento más brillante y recordado de este corto, cuando su pequeño y entrañable Ángel de la guarda, la encantadora Fátima Ptacek Espinoza, baila en suave travelling paralelo a la cámara para así despertar la emoción por la vida y la alegría perdida de su tío. La cámara y sus movimientos en el plano, de tan capital importancia en el medio cinematográfico que a veces se nos olvida a pesar de su perenne presencia; pues aquí existe un dechado de uso, de cómo alinearla y situarla alrededor de los actores con el fin de aportar un matiz, un contrapunto, o un simple chispazo de espontaneidad, a la comúnmente tan manida narración. He ahí la importancia de Curfew, su valor como obra de arte joven y arrebatadora; parida bajo un indomable espíritu indie y evocadora de una ternura y un encanto dignos de elogio. Amor indeleble por el séptimo arte.