Aparecen en el mercado del vídeo doméstico tres películas inéditas en este formato en nuestro país. Se trata de títulos antiguos y poco conocidos pero firmados por autores que obtuvieron repercusión con alguna de sus respectivas realizaciones. Se trata de una nueva línea editorial por parte de la casa Regia Films, que relanza bajo su entera propiedad la desaparecida marca Videohits para dar cabida a propuestas más relajadas e intimistas, pero no exentas de interés dada la probada capacidad cinematográfica de sus responsables. Trabajos honestos y bien intencionados que, aun lejos del éxito, rozan la notabilidad alejados del mundanal ruido. Estos tres primeros títulos son: Trabajo clandestino, del casi siempre radical director polaco Jerzy Skolimowki; La leyenda del santo bebedor, dirigida por el reconocido Ermanno Olmi; y Siete noches en Japón, del británico Lewis Gilbert, especializado en el género de la comedia.

 

Trabajo clandestino (Moonlighting, Jerzy Skolimowski, 1982)

Probablemente el título más destacado de esta terna, Moonlighting relata los avatares de un grupo de trabajadores polacos que aterrizan en Londres con el objetivo de llevar a cabo la reforma del piso de su capataz, que les explota desde la distancia aprovechando su imperiosa necesidad monetaria aun a sabiendas de la ilegalidad de su propósito. Liderados por Nowak (un genial Jeremy Irons, justamente contenido y que sirve de guía durante toda la narración), el único que sabe defenderse en la lengua inglesa, este pequeño colectivo se verá abocado a una estricta reclusión y a la más absoluta indefensión, donde juega un papel importante el sentido de la incomunicación y el patente choque cultural, pero, sobre todo, la palabra miedo.

El realizador polaco Jerzy Skolimowski (famoso por realizaciones anteriores como La barrera o El grito, premiadas en la Seminci y en Cannes, respectivamente) firma con pulso firme pero pausado, sin necesidad de subrayar el evidente drama que viven los protagonistas, solamente tensándolo en determinadas secuencias, aportando el leve toque de misterio tan habitual en sus historias e, incluso, incorporando un especial sentido del humor directamente desprendido de la insensatez a la que han de enfrentarse estas almas desfavorecidas. Todo ello bajo la eminencia de una voz en off que sirve para ilustrar el terrible dilema moral que ha de acarrear el protagonista, que vive su día a día enclaustrado en una difícil situación. Una propuesta dura, directa y angustiosa -si bien no apremiante ni enardecida- que consigue dejar un irremisible poso de tristeza sobre el espectador, y que fue premiada con el mejor guión en el festival de Cannes de 1982, firmado por el propio director.

 

La leyenda del santo bebedor (Ermanno Olmi, 1988)

Película premiada en 1988 con el León de Oro, máximo galardón del festival de Venecia, La leggenda del santo bevitore narra la historia de Andreas, un vagabundo que vive debajo de un puente en París, quien tras un encuentro en apariencia fortuito con un hombre que le presta doscientos francos reconvertirá una parte de su existencia y verá cambiada su suerte, al menos en lo que a la condición de su espíritu errante se refiere. Esta adaptación de un relato de Joseph Roth se beneficia de una puesta en escena lenta y observadora, muy del carácter del realizador italiano Ermanno Olmi (El árbol de los zuecos), que decide seguir a su particular oveja descarriada no tanto para estudiarla como para acompañarla, incidiendo en el recurso del flashback como modo de representación de una nostalgia y un tiempo anterior que descubre miradas y sentimientos de difícil recuperación.

El suave acompañamiento musical se adecúa al devenir de este buen hombre -milagrosamente interpretado por Rutger Hauer, quien confiere a su personaje ese halo de desconcierto y humildad que tan bien lo inmiscuyen en el conjunto-, si bien el relato puede llegar a adolecer de inocencia en su retrato, en exceso bondadoso (lo que se hace extensivo al colectivo de personajes reunidos, a través de un tono general sin demasiadas aristas), terminando por restarle credibilidad y, posiblemente, también algo de autenticidad.

Siete noches en Japón (Lewis Gilbert, 1976)

Esta película, protagonizada por Michael York (que tuvo su mayor gloria en Cabaret y destacó en el medio televisivo norteamericano), continúa la senda de las anteriores en el sentido de la suavidad fílmica de sus imágenes, deudoras de una manera de hacer cine radicada en la antítesis del nervio, prefiriendo caminar por la senda de la tranquilidad en su recorrido a la hora de perseguir el fin de su propuesta. En este caso, el realizador londinense Lewis Gilbert (Alfie) acompaña a George, el príncipe de Inglaterra, cuando desembarca en Japón para pasar siete noches cuyo objetivo, se supone, sería el establecer relaciones con las autoridades del país; sin embargo, y tras unos primeros compases que sirven para reflejar el espíritu acomodaticio de semejante encuentro, nuestro héroe particular decidirá lanzarse a la aventura de la noche y así desatar ese autoritario corsé que le viene impuesto desde la marca Monarquía, desencadenando el presumible escándalo institucional.

Lo que le interesa a Gilbert es indagar en el choque de clases que se produce tras la bajada a ras de suelo del príncipe y su enamoramiento con una nativa, filmando diálogos y secuencias que refuerzan esta idea a lo largo y ancho del relato, y dejando un pequeño espacio para la intriga a raíz de su intento de asesinato por parte de una organización terrorista que nada quiere saber de relaciones. No obstante, se trata en su mayoría de imágenes de un patente sentido inofensivo -quizás en respuesta directa a la escasa fiereza que transmite el libreto-, si bien la cinta gana enteros a partir de la química que se establece entre la pareja protagonista y la sensación de libertad pura que se desprende del viaje iniciático que emprende George… pese a saberse un empeño perdido de antemano.